Tudo que penso sobre o seriado Chapa Quente e resolvi comentar

Por Matheus Graciano •

“Falem bem ou falem mal, falem de mim”. A frase que está na boca de muita gente é um daqueles ditados populares que me fizeram olhar com mais carinho para o seriado “Chapa Quente”. Como diria o outro, “nunca antes na história” de São Gonçalo tivemos tanta exposição. Tudo bem, não é da melhor forma que sonhamos, mas está lá, a cidade exposta para algumas milhões de pessoas em todo o Brasil.
Há exatos dois anos atrás, publiquei um texto chamado “O Cinturão Fluminense”. Nele, o comentário principal era sobre esse grande “cinturão” que as cidades metropolitanas e bairros da zona norte, oeste e subúrbio do Rio fazem ao redor da região que vai do centro carioca até a Barra, basicamente, o centro financeiro e governamental da ex-capital do Brasil.
Dentre todas as cidades da região metropolitana, São Gonçalo se destaca no cinturão fluminense. O motivo não é nobre, porém explica muito: somos uma cidade decadente. Sim, decadente. Num passado longínquo, entre os anos 30 e 50, a cidade cresceu muito com suas atividades industriais, que deu origem ao nome “Manchester Fluminense”, praticamente triplicando a população de 1940 a 1960. Éramos vizinhos da capital do estado, Niterói, sem falar da capital federal, a cidade do Rio. Com a mudança para Brasília, muita coisa se foi, inclusive o dinheiro. E aquela cidadezinha industrial, com problemas crescentes, continuou a receber gente sem desenvolver sua estrutura. O resultado é o que temos hoje.

Aí, você me pergunta: o que o seriado “Chapa Quente” tem a ver com tudo isso?

Um belo dia, o célebre Agostinho Carrara disse em rede nacional: “eu sou de Alcântara”. O seriado “A Grande Família”, que ficou no ar de 2001 a 2014, inaugurou a face gonçalense na TV. Muita das vezes, Agostinho era o centro da trama, fazendo com que muita gente viesse me perguntar se Alcântara era outra cidade… bem, definitivamente, Alcântara ganhou seu espaço em algumas mentes. Pelo visto, a sacada da equipe do redator Cláudio Paiva foi um teste para o atual Chapa Quente, também assinado por ele.

Agostinho Carrara (Pedro Cardoso) no dia em que foi à Alcântara da vida real. Fonte: GShow.

Minha impressão é que Paiva percebeu São Gonçalo como o reflexo real do estado do Rio, que talvez reflita também boa parte da realidade social brasileira. Nós temos a estética dos subúrbios, que é bem diferente das “favelas” nos morros, cuja imagem já está gasta, é muito forte, violenta e as pessoas logo pensam no tráfico, na bala perdida e nos demais problemas sociais.
As imagens que temos sobre nós mesmos são muito diferentes. A decadência recente de São Gonçalo ainda vive na memória de muitos. Algumas pessoas ainda se lembram, por exemplo, das transmissões televisivas do baile de carnaval que acontecia no Tamoio. Por outro lado, a geração mais nova, em especial aqueles que já vivem em lugares que cresceram recentemente, com problemas estruturais, vêem a cidade de outra forma. Comparativamente, Duque de Caxias e Nova Iguaçu, mesmo com tantos problemas na baixada fluminense, saíram do zero, experimentando o crescimento apenas, por mais lento que ele seja.
A crítica dos gonçalenses à estética do Chapa Quente, se justifica pela versão que a produção da TV Globo resolveu retratar. Definitivamente, pegaram um dos piores lados da cidade. Porém, fica a minha dúvida: qual é a São Gonçalo mais verdadeira? A antiga, que vai de Neves ao Centro, o grande Alcântara, os arredores de Itaúna, bairros que beiram a BR-101, Ipiíba, Arsenal e pista da Rodovia Amaral Peixoto ou Jardim Catarina? São muitas cidades! Você conseguiria me responder qual é a cidade real?

Lúcio Mauro Filho, Leandro Hassum e Ingrid Guimarães estrelam a série Chapa Quente. Fonte: Divulgação TV Globo

Minha crítica mais tensa fica sobre a cor dos atores. Todos brancos. São Gonçalo é muito misturado, tal como o Brasil. Se fosse “favela”, iriam colocar todos os negros do elenco global. Sacou o ligeira diferença?
Independente da sua opinião, Chapa Quente vai ajudar a colocar São Gonçalo no mapa. Se nos incomodamos com a visão da TV, cabe a nós melhorarmos a cidade. Somos a 16ª maior cidade do Brasil e a referência de um caldeirão de diferenças sociais. Somos a cidade média reflexo dos problemas cotidianos e, se quisermos, podemos ser um bom exemplo também. A TV já reconheceu nossa importância. Só falta a gente entender isso.

Oferta em Artes Cênicas em São Gonçalo

São Gonçalo, 23 de Abril de 2015

Por Carol Magalhães

Curso com Contribuição Consciente desperta interesse do alunado pelo teatro

O Curso “Nativos Artes Cênicas” oferece mais de 120 vagas direcionadas para os alunos de ensino médio e fundamental das escolas públicas e privadas. A iniciativa é idealizada pelo Projeto Alternativo visando o desenvolvimento do alunado e a criação de uma Escola em Arte Cênicas para o município. Para o Gestor Cultural André Correia além de utilizar técnicas e sistemas inovadores durante as aulas, o formato da “Contribuição Consciente” tem atraído muitos interessados. “Um curso em Artes Cênicas de qualidade custa caro e muitos não podem pagar. O modelo de “Contribuição Consciente” tem conquistado adeptos no mundo inteiro e pode ser a única forma de muitos estarem cursando esta oportunidade de formação.” Defende o coordenador do cruso.

As aulas serão ministradas na Academia Twister no Centro de São Gonçalo. Serão (4) professores distribuídos em (6) grupos, nos turnos da manhã, tarde e noite. Artistas e dançarinos e profissionais do corpo terão oportunidades de ingressarem no curso “Contato Improvisação”, ministrado pelo professor Zé Anderson Hanzen. Além disso, os alunos terão a oportunidade de estudar teatro com os universitários Nicolle Longobardi , Fernando Porto e Silvio Júnior

Para mais informações basta preencher o guia de informações:

http://goo.gl/forms/mbbxYDo7PO
OU

Mais Informações:
Telefone: 9-8544-8622
E-mail : nativosg@gmail.com

A Estrada de Ferro Maricá

José Carlos Pelosi



Está começando o asfaltamento das principais ruas e avenidas de Itaipuaçu. Convivendo há tanto tempo com lama e buraco,
a simples presença do betume em nossas portas traz sentimentos de
alegria e espanto. Mas não é a primeira vez que essa chegada do futuro à
região é acompanhada de surpresa. Se agora é o asfalto, no início do
século passado foi a instalação dos trilhos da Estrada de Ferro Maricá
que trouxeram o espanto. Mas a esperança dos trilhos durou pouco: a
preocupação com o lucro para o então recém instalado transporte
rodoviário e para as fábricas de automóveis dizimou o leito ferroviário,
que hoje poderia ser uma atração turística, unindo Neves (São Gonçalo) a
Cabo Frio. Infelizmente, a ignorância e a ganância não permitiram a
convivência entre trilhos e asfalto.

O MATA SAPO

A viagem do primeiro trem foi feita em 10 de junho de 1888, entre as
estações de Neves (São Gonçalo) e Virajalba Rio do Ouro. Logo nos
primeiros meses de funcionamento a composição puxada pela “Maria Fumaça”

trouxe apelidos interessantes que permanecem no jargão ferroviário,
como a expressão “mata-sapos”, que designava os comboios que faziam os
horários noturnos. Até hoje, há uma região próxima a Rio do Ouro, que é
conhecida como “Cala a Boca”, porque ali era o local mais estreito por
onde passava o trem, fazendo com que os passageiros devido ao medo
ficassem calados.

Em 1988, como repórter do Jornal do Brasil,
tive a oportunidade de reviver boa parte dessa história, em relatos de
antigos moradores de locais por onde passavam os trens e descentes de
ferroviários, que se transformaram em matéria publicada na edição do JB
de 5 de setembro de 1988.

O inglês George Bria, de 93 anos, não
ouve mais o apito do trem. Está hoje preso a um leito, doente, assistido
por enfermeiras na Fazenda Boavista, em Jaconé. Perto dali, em outro
leito, repousa o que restou da Estrada de Ferro Maricá, condenada à
morte pelo presidente Jânio Quadros, em 1962, e desativada
definitivamente dois anos mais tarde, no governo do marechal Castelo
Branco. Bria foi diretor da Estrada de Ferro Leopoldina, que
administrava o ramal de Maricá, mas hoje não pode falar por causa da
doença. Pelo velho caminho do trem, no entanto, muita gente ainda
aguarda o som da Maria Fumaça. Se alguém pergunta pela velha ferrovia, a
resposta é ua espécie de esperança: “ela vai vortá?”.
José Carlos Pelosi / JB / 5 setembro 1988

NA TRILHA DA MARIA FUMAÇA

Também em 1988, a matéria foi adaptada para publicação na Revista Duas
Rodas, depois de uma trilha de moto ao longo do que foi o trecho de 157
quilômetros da antiga ferrovia.

O começo da trilha é a estação
inicial da estrada de ferro, em Neves (São Gonçalo), ao lado do
laboratório farmacêutico da Polícia Militar. Quando a estrada de ferro
foi desativada, prometeu-se à população a costrução de um posto de saúde
em seu lugar. Mas, sinal dos tempos de 1964, a estação transformou-se
em um presídio para fins políticos. Atualmente, lá estão sendo
construídos a delegacia e o presídio de Neves, para tristeza de Dona
Felicidade, proprietária do Restaurante Paris, bem em frente. Ela
costumava servir refeições ao chefe da estação. De Neves, o Mata-Sapo –
como era conhecido o trem que ia até Cabo Frio – seguia pela rua Doutor
Jurumenha, onde se podem ver os dois únicos trilhos que ainda restam da
antiga linha, bem em frente ao número 4.613. Pela Av. Maricá, chega-se
até a estação de Raul Veiga. Ela continua preservada em suas cores
oruiginais, azuil e amarela, graças a Antonio Arruda, o antigo segurança
da RFFSA, morador desde 1962.

Vale a pena conhecer um pouco o
Seu Antonio, um paraibano de Campina Grande, “23 filhos e netos de
perder a conta”. O interior da estação – uma casa de cinco quartos –
está repleto de fotografias de Getúlio, Juscelino e Tancredo. Nos fundos
estão a rede de seu Antonio e sua criação de pássaros, onde ele recita
suas poesias sobre os sentimentos humanos, começando pela letra A, indo
até Z. Deixando para trás a estação de Raul Veiga, mais alguns
quilômetros e chega-se à estação de Ipiíba, no Km 19 da Estrada Santa
Isabel, ao lado de uma garagem de ônibus. Dali em frente, pegamos pela
primeira vez um caminho de terra, pela Estrada de Ipiíba. As fazendas
são deslumbrantes. Esse caminho termina já em Rio do Ouro, na Rodovia
Amaral Peixoto, na qual o trem seguia exatamente ao lado, passando pela
Praça de Maricá, onde ficava a estação, até a parada de Manel Ribeiro,
na altura do quilômetro 60. Nesse ponto, o trem entrava à direita para
contornar a Serra de Mato Grosso, onde não há trilhas possíveis nem para
motocicleta. Assim, o jeito é continuar pela Amaral Peixoto e pela
estrada de Ponta Negra, até que esta cruze novamente com o caminho do
trem (exatamente no entroncamento da estrada de Ponta Negra, de asfalto,
com a estrada de Jaconé, de terra.)

O MAR, A FÉ E A VELHA USINA

Pela primeira vez, o mata-sapo está próximo ao mar. Pela trilha de
terra que vai até Sampaio Correia avista-se o campo de golfe de Roberto
Marinho, que ocupa oito quilômetros da Praia de Jaconé. O visual,
principalmente no fim da tarde, é lindo. Um pouco mais adiante está a
pequena igreja de São Pedro, o padroeiro dos pescadores, cuja entrada
principal está voltada para a Lagoa de Jaconé. Essa igreja foi erguida
por uma francesa, em memória de seu filho Reneé de Champs, que morreu no
grande surto de impaludismo na década de 40. Todos os anos, no dia de
São Pedro, a imagem de Nossa Senhora de Nazareth de Saquarema é
carregada em procissão na igrejinha até a divisa dos municípios de
Saquarema e Maricá, no pequeno andor de palha que é guardado até hoje
dentro do templo. Prosseguindo, a trilha volta à rodovia Amaral Peixoto,
passando pelas ruínas de uma antiga usina de açúcar. Pela estrada,
chega-se até o centro de Bacaxá, onde não existe mais a estação. O leito
da estrada segue por Araruama, passa por Iguaba, e chega até São Pedro
da Aldeia, onde a estação, localizada na confluência com o trecho da
estrada que vai para Cabo Frio, chegou a ser utilizada como um pequeno
terminal de ônibus e hoje abriga a sede regional do Iphan. Dali o
destino final é Cabo Frio. Parte da antiga estação está em frente à área
do Camping Clube de Cabo Frio.
Revista Duas Rodas/1988

Nota
da Redação: As entrevistas e roteiros publicados aqui são do ano de
1988. Vinte e cinco anos depois, é claro, alguns dos citados e
entrevistados não vivem mais. Também lugarejos, estações e propriedades
foram modificados. Porém, a Estrada de Ferro Maricá é uma lenda viva e
seus trilhos, com imaginação, e baseando-se nestes relatos, podem e
devem ser revisitados.

http://www.acheirevista.com.br/se…/estradadeferromarica.html

(2) Facebook

Ser Escritor Requer Investimento

Quando decidimos escrever profissionalmente, devemos compreender que o que iremos gastar vai muito além do tempo e dedicação. Precisamos estudar, nos especializar, colher informações, trocar conhecimento com outros profissionais, entre outras coisas necessárias para fazer com que o nosso acervo textual ganhe boa atenção dos futuros leitores.

O montante de obras e textos que você produz precisam passar ser registrados para preservar sua autenticidade. Isso leva um custo para impressão, encadernação e envio na Biblioteca Nacional. Seus textos também precisam depois passar por uma revisão profissional que pode ser feito por um professor, revisor ou até por você mesmo, se estiver preparado e seguro.

A não ser que você saiba fazer serviços gráficos, você também terá que pagar um profissional para diagramar e fazer as artes gráficas de seus livros, e também os registros de ISBN, Ficha Catalográfica e Código de Barras, que também podem ser feitos na gráfica. Enfim, tudo isso envolve profissionais dedicados.

E depois do livro pronto, você precisa correr atrás da divulgação, que pode ser feita com um publicitário, um jornalista ou por você mesmo, cuidando e administrando todo o processo de apresentação, inserção e divulgação de sua biografia, trabalho e acervo literário.

Acredite em seu trabalho e faça valer todo o seu esforço quando for convidado para fazer qualquer serviço literário de graça.

Leo Vieira

Conheça mais sobre o Leo Terário e o projeto de incentivo à leitura "Leia + Livros" na página "Antro Literário".

® Leo Vieira- Direitos Reservados

Prédios históricos do 3º BI serão preservados

Na semana passada, o Território
Gonçalense informou com muita tristeza que o Governo do Estado havia começado a demolição dos
prédios centenários do antigo 3º Batalhão de Infantaria (BI) do Exército para
dar lugar à construção dos 1.240 apartamentos destinados aos desabrigados das chuvas do
Morro do Bumba (ver aqui).

Hoje (14), felizmente, tomamos
conhecimento que os prédios centenários serão preservados. Segundo a Secretaria
Estadual de Obras, os prédios serão restaurados e não demolidos. As edificações
que estão sendo demolidas são as que não têm valor histórico.

Espero que mantenham a palavra,
que realmente preservem uma parte da memória daquele espaço. Sugiro que
utilizem os prédios para atividades culturais e educacionais.

Prédios históricos do 3º BI serão preservados | Território Gonçalense

A Arte Contemporânea é uma farsa

Posted on Janeiro 15, 2014 by Incubadora de Artistas

 

Com a finalidade de dar a conhecer seus argumentos sobre os porquês da arte contemporânea ser uma “arte falsa“, a crítica de arte Avelina Lésper apresentou a conferência “El Arte Contemporáneo- El dogma incuestionable” na Escuela Nacional de Artes Plásticas (ENAP), sendo ovacionada pelos estudantes na ocasião.

 A arte falsa e o vazio criativo

“A
carência de rigor (nas obras) permitiu que o vazio de criação, o acaso e
a falta de inteligência passassem a ser os valores desta arte falsa,
entrando qualquer coisa para ser exposta nos museus “

A crítica explica que os objetos e valores estéticos que se apresentam como arte são aceites em completa submissão aos princípios de uma autoridade impositora. Isto faz com que, a cada dia, formem-se sociedades menos inteligentes e aproximando-nos da barbárie. 

O Ready Made

Lésper aborda também o tema do Ready Made, expressando perante esta corrente “artística” uma regressão ao mais elementar e irracional do pensamento humano, um retorno ao pensamento mágico que nega a realidade. A arte foi reduzida a uma crença fantasiosa e sua presença em um mero significado. “Necesitamos de arte e não de crenças”.

Génio artístico

Da mesma maneira, a crítica afirma que a figura do “génio”, artista com obras insubstituíveis, já não tem possibilidade de manifestar-se na atualidade. “Hoje em dia, com a superpopulação de artistas, estes deixam de ser prescindíveis e qualquer obra substitui-se por outra qualquer, uma vez que cada uma delas carece de singularidade“.

O status de artista

A substituição constante de artistas dá-se pela fraca qualidade de seus trabalhos, “tudo aquilo que o artista realiza está predestinado a ser arte, excremento, objetos e fotografias pessoais, imitações, mensagens de internet, brinquedos, etc. Atualmente, fazer arte é um exercício ególatra; as performances, os vídeos, as instalações estão feitas de maneira tão óbvia que subjuga a simplicidade criativa, além de serem peças que, em sua grande maioria, apelam ao mínimo esforço e cuja acessibilidade criativa revela tratar-se de uma realidade que poderia ter sido alcançada por qualquer um“.

Neste sentido, Lésper afirma que, ao conceder o status de artista a qualquer um, todo o mérito é-lhe dissolvido e ocorre uma banalização. “Cada vez que alguém sem qualquer mérito e sem trabalho realmente excepcional expõe, a arte deprecia-se em sua presença e concepção. Quanto mais artistas existirem, piores são as obras. A quantidade não reflete a qualidade“.

 Que cada trabalho fale pelo artista

“O artista do ready made  atinge a todas as dimensões, mas as atinge com pouco profissionalismo; se faz vídeo, não alcança os padrões requeridos pelo cinema ou pela publicidade; se faz obras eletrónicas, manda-as fazer, sem ser capaz de alcançar os padrões de um técnico mediano; se envolve-se com sons, não chega à experiência proporcionada por um DJ; assume que, por tratar-se de uma obra de arte contemporânea, não tem porquê alcançar um mínimo rigor de qualidade em sua realização.

Os artistas fazem coisas extraordinárias e demonstram em cada trabalho sua condição de criadores. Nem Damien Hirst, nem Gabriel Orozco, nem Teresa Margolles, nem a já imensa e crescente lista de artistas o são de fato. E isto não o digo eu, dizem suas obras por eles“.

 Para os Estudantes

Como conselho aos estudantes, Avelina diz que deixem que suas obras falem por eles, não um curador, um sistema ou um dogma. “Sua obra dirá se são ou não artistas e, se produzem esta falsa arte, repito, não são artistas”.

O público ignorante

Lésper assegura que, nos dias que correm,
a arte deixou de ser inclusiva, pelo que voltou-se contra seus próprios
princípios dogmáticos e, caso não agrade ao espectador, acusa-o de “ignorante, estúpido e diz-lhe com grande arrogância que, se não agrada é por que não a percebe“.

“O espectador, para evitar ser chamado ignorante, não pode dizer aquilo que pensa, uma vez que, para esta arte, todo público que não submete-se a ela é imbecil, ignorante e nunca estará a altura da peça exposta ou do artista por trás dela.Desta maneira, o espectador deixa de presenciar obras que demonstrem inteligência”.

Finalizando

Finalmente, Lésper sinaliza que a arte contemporánea é endogámica, elitista; com vocação segregacionista, é realizada para sua própria estrutura burocrática, favorecendo apenas às instituições e seus patrocinadores. “A obsessão pedagógica, a necesidade de explicar cada obra, cada exposição gera a sobre–produção de textos que nada mais é do que uma encenação implícita de critérios, uma negação à experiência estética livre, uma sobre–intelectualização da obra para sobrevalorizá-la e impedir que a sua percepção seja exercida com naturalidade“.

A criação é livre, no entanto a contemplação não é. “Estamos diante da ditadura do mais medíocre”

fonte: Vanguardia

A Arte Contemporânea é uma farsa: Avelina Lésper | Incubadora de Artistas

Valorize-se Escritor!

Certa vez eu fui ao dentista e durante a minha espera, apareceu uma senhora com o seu filho adolescente precisando de um serviço emergencial (a clínica onde ele é atendido já estava fechada). Ela informou uma parte do aparelho do rapaz havia se quebrado, deixando solto uma parte do cabo de metal, correndo grande risco de ferir a bochecha dele. A mãe alegou que somente precisaria  cortar o pedaço do metal, porém o dentista disse que teria que remover o cabo inteiro e colocar outro (provisório) até o jovem ser atendido pelo dentista original para apertar o aparelho devidamente. O serviço teria o valor de uma consulta e a mãe (esperando apenas por uma gambiarra grátis ou com um valor simbólico) logo desistiu do orçamento, indo embora com o menino.

Isso me fez pensar em muitas ocasiões em que outros profissionais são desvalorizados e se deixam desvalorizar com esses tipos de clientes. Os desenhistas convidados para "fazer um desenho rápido", um taxista "pra levar daqui até ali", um designer "pra dar um jeitinho no site", um advogado "pra dar uma olhadinha no processo", entre outras coisas.

Não tenha medo de perder um cliente. Continue profissional e confiante que o seu reconhecimento chegará.

Leo Vieira

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® Leo Vieira- Direitos Reservados

As artes em 1963 no Greenwich Village

As artes em 1963 no Greenwich Village

Freqüentemente pergunta-se o que é arte, desde que o impressionismo surgiu e detonou uma centena de transformações, remodelações e reformulações artísticas tais como as da arte moderna e pós-moderna.  Nessas constantes reconstruções que arte sofreu e sofre, até hoje, uma coisa é, mais ou menos, clara: a cada nova reinvenção, os artistas que encabeçam a linha de frente, a avant-garde dos movimentos ou é, em grande medida, incompreendida ou é, apenas, parcialmente aceita.

Não foi diferente com os artistas nos anos 1960 no Greenwich Village, em Nova York, EUA.  Esses artistas forjaram o berço da pós-modernidade artística, como a entendemos hoje.  Os movimentos artísticos do início do século 20 desdobraram-se em muitas vertentes, sendo uma delas a arte underground e beatnik dos anos 1950.  Porém, o que se via em 1963 era diferente. Se os beats  contestavam o consumismo e o otimismo do pós-guerra americano, a falta de pensamento crítico e o anticomunismo; a geração de 1960 em diante, viveu uma época onde a confiança “em que tudo é possível” foi constante.

Sobretudo no Greenwich Village dessa época, respirava-se esse ar de uma nova cultura. Cultura popular como arte folk urbana.  A vanguarda daqueles tempos não fazia distinção aguda entre essas duas coisas.  E os muitos editores, livrarias, teatros, clubes de jazz e cafés onde desembocavam artistas que viviam em Greenwich Village nos anos 1960 fizeram daquele local um centro de entretenimento para uma platéia de Nova York e fora dela.  Sendo também, uma mina de ouro para os especuladores imobiliários.

Mas mais do que isso, a trajetória desses artistas alavancou o cenário artístico americano, produzindo novas manifestações artísticas.  Na arte pop, por exemplo, foram utilizados conhecimentos da artes gráficas por artistas como Rosenquist, Lichtenstein e Warhol, oriundos dos setores de moda e propaganda. As pinturas da arte pop estavam sendo vendidas por milhares de dólares nas galerias e museus de Manhattan, no uptown.

Os próprios gêneros de arte estavam mudando, com a propria art pop, os happenigs, os fluxus, o teatro de café e o cinema underground.  A distinção entre arte folk, arte popular, kitsch ou alta arte estava dissolvendo-se.  E artistas como Robert Watts, em seu Evento casual, faziam história com ou sem platéia:

Dirija seu carro para o posto de gasolina

Encha o pneu dianteiro direito

Continue a encher até o pneu estourar

Troque o pneu*

Dirija para casa

*Se o carro for de um modelo mais novo, dirija para casa sobre o pneu estourado.

A vanguarda da década de 1960 não foi inteiramente empenhada na rejeição do passado ou do status quo.  A visão desses artistas era relativista, igualitária e de colagem.  Esses artistas assumiram a tentativa de refazer a cultura americana e produziram um grande acervo de obras com uma diversidade inigualável na utilização de idéias experimentais que muito influenciaram as décadas posteriores e ainda influenciam o nosso tempo.

Leia mais: http://www.divulgaescritor.com/products/as-artes-em-1963-no-greenwich-village-por-mauricio-duarte/

Parcerias que Devem Ser Evitadas

Isso é um assunto que com certeza já aconteceu e ainda acontece com a maioria dos profissionais da arte e das letras. Da mesma forma, também merece uma resenha: As propostas de trabalho sem retorno financeiro.

Volta e meia sou convidado para fazer pesquisa, desenvolver textos, organizar

projetos e até esboçar trâmites empresariais sem nenhum tipo de contrato ou

comissionamento. Em alguns deles, eu procuro recusar gentilmente e em outros eu nem mesmo me preocupo em responder.

Há algum tempo, fui convidado por um colega produtor teatral para pesquisar e

escrever um livro que seria baseado em uma peça dele. Ele havia dado muita

recomendação sobre como queria a obra; com aprofundamento com dados jornalísticos, narrativa mais verossímil, entre outras coisas. Recebi o material e fui deixando ele falar enquanto analisava tudo e nada dele falar em pagamento. O colega do teatro estava entusiasmado, mas não me deixava nada animado na questão salarial, até que ele soltou: "se houver lucro nas vendas, a gente divide".

Perguntei se a gente teria algum tipo de contrato e ele recusou. Sem contrato, nem garantia de recebimento. Apenas eu receberia algo se o livro (que eu escreveria sozinho, baseado na peça dele) obtivesse lucro.

Neste caso, expliquei o tempo que seria por mim dedicado e investido neste trabalho; afinal, uma boa parceria é a que proporciona um bom resultado para os dois lados. Ressaltei que se o livro (pesquisado, desenvolvido e escrito por mim) não obtivesse nenhum lucro, o trabalho seria realizado apenas para o bem dele, porém eu ficaria lesado porque não receberia nada.

Em outra ocasião, fui convidado para atuar em uma produção cinematográfica onde o recebimento seria hipotético. Eu topei pelo fato do trabalho ter sido rápido e também por ser amigo do produtor. Até aí tudo bem, mas depois eu fui convocado também para escalar o restante do elenco e convencer aos demais atores que teriam que trabalhar sem receber. Não teria contrato porque segundo o produtor, não haveria nenhuma garantia de retorno financeiro. Notei também que o ritmo da produção andava lenta exatamente por isso, com alguns profissionais envolvidos abandonando a obra.

Expliquei que contrato é um meio de preservação por ambas as partes, evitando possíveis processos de exigências autorais e financeiras posteriores.

São esses tipos de desgastes que podemos ter quando não raciocinamos como profissionais. Não dá pra ficar a vida inteira trabalhando somente pela

"camaradagem".

Leo Vieira

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® Leo Vieira- Direitos Reservados

Artigo: Liderança equivocada

Por Heitor Pitombo

Artigo publicado originalmente na revista Mundo dos Super-Heróis 65 (março/2015) e reproduzido com autorização do autor e da publicação.

Em 30 de janeiro, enquanto se comemorava o Dia do Quadrinho Nacional, foi lançada no Rio de Janeiro a autointitulada Academia Brasileira de Histórias em Quadrinhos (ABRA-HQ). A cerimônia teve direito a hino nacional (ver vídeo abaixo), entrega de medalhas e tudo o mais. Na ocasião, foram anunciados os nomes de 20 artistas que nomeiam as cadeiras da instituição – incluindo o mestre norte-americano Alex Raymond -, assim como os de 20 “imortais” que as ocupam. Entre eles, alguns colecionadores.

Se não bastasse o fato desses nomes não terem passado por nenhuma votação entre a classe de quadrinhistas brasileiros, a presidente e porta-voz da Academia, a atriz e roteirista Agata Desmond, vem usando habilmente a mídia não especializada para divulgar propostas inócuas e espalhar inverdades sobre o mercado brasileiro, como disse numa entrevista para a Rádio Nacional-RJ: “As histórias em quadrinhos no Brasil tiveram seu auge no tempo da Rio Gráfica, da Ebal, da Vecchi e da Bloch, que foi o último império a cair. Agora, não tem mais editora, ninguém faz nada, os artistas estão desempregados”.

Sim, até os anos 1980, houve muitas redações que mantinham grandes equipes produzindo quadrinhos nacionais para as bancas. Mas a crise que tem abalado o mercado de revistas e jornais nas últimas décadas também se estendeu para as HQs – ainda que o estúdio de Mauricio de Sousa continue firme e forte até hoje. Por outro lado, nunca se produziu tantos quadrinhos no país como nos últimos dez anos. Se o segmento perdeu espaço nas bancas, ganhou um recanto nas livrarias.

Mecanismos como o Catarse, os editais do ProAC e o crescimento dos eventos de quadrinhos Brasil afora têm permitido a circulação e a visibilidade dessa produção – que, aliás, ostenta uma qualidade excepcional. Mestres reverenciados pela Academia, como Edmundo Rodrigues (1935–2012), nunca tiveram seus trabalhos lançados com o requinte gráfico que muitos iniciantes conseguem bancar via crowdfunding.

A família de Edmundo, por sinal, designou Agata para ser curadora de sua obra, e esta não mede esforços para frisar que a ideia da ABRA-HQ foi inspirada em uma vontade do mestre de que seu trabalho fosse preservado, e para colocar o nome do finado desenhista em destaque quando fala de seu projeto para a mídia. Curioso que, em seus últimos anos de vida, Edmundo até demonstrava disposição para falar sobre sua carreira, mas sua família rechaçou diversas tentativas que alguns jornalistas fizeram para entrevistá-lo, muitas delas com o intuito de registrar seu legado para a posteridade.

Outra coisa estarrecedora é como grandes veículos (jornais, rádios e até TVs) reverberaram a notícia da fundação da ABRA-HQ sem fazer nenhuma reflexão e dando vacilos de apuração. Muitos colegas chegaram a escrever absurdos, como fez a jornalista de O Globo On Line, Clarissa Pains, ao dizer numa reportagem publicada em 18 de fevereiro que o Tico-Tico era “uma tira nacional da década de 1940”. Até mesmo a repórter da Globo News, Elisabete Pacheco, numa matéria que foi ao ar em 30 de janeiro, entoou a seguinte pérola: “Hoje os desenhistas só publicam quadrinhos no Brasil graças a vaquinhas feitas na internet” (assistaaqui).

Apesar de possuir em sua cúpula membros ativos que defendem que autores como Angeli, Laerte, Glauco e os gêmeos Moon e Bá não têm espaço na Academia – e que sustentam absurdos como o fato do mutante Charles Xavier, dos X-Men, ter sido inspirado no nosso Chico Xavier –, há gente bem intencionada por trás da iniciativa. Todos acreditam estar unidos em um projeto para melhorar as condições de quem produz quadrinhos.

Mas a maioria esmagadora da classe vem se manifestando pela internet e tem repudiado uma entidade que, nesses moldes, não tem condições de liderar e unir a classe em todo o país. O mais correto teria sido lançar a ideia do projeto e discuti-lo exaustivamente com todos os segmentos para só depois formalizá-lo com uma liderança democraticamente constituída. Do jeito que está, a ABRA-HQ está se aproveitando de seu espaço na mídia para passar uma imagem equivocada do mercado. E esse modelo de liderança, para muitos, é intolerável.

Se fica uma lição desse episódio, é que os artistas nacionais precisam acordar e se organizar em torno de uma entidade forte e representativa, que lute pelo que realmente interessa a esse segmento tão vilipendiado.

Heitor Pitombo é jornalista e defende que academias de quadrinhos tenham suas cadeiras ocupadas apenas por artistas.

Halleymania: 30 anos depois

Por Marcus Ramone

Como um brasileiro transformou um corpo celeste no maior fenômeno comercial da história da astronomia e despertou o interesse da Marvel.

O publicitário mineiro Marcelo Diniz sofre de bipolaridade. Em seu último livro, Crônicas de um bipolar (Record, 2010), ele revelou algumas situações inusitadas que protagonizou como consequência do transtorno.

Foi assim em 1980, do alto de seus 32 anos, quando trabalhava em um gigante da indústria de cigarros e teve um insight, “de acordo com uma característica da bipolaridade, que é ter a cabeça sempre a mil, procurando novas ideias”, como disse ao Universo HQ.

Naquela época, as primeiras reportagens sobre a nova visita do cometa Halley às proximidades da Terra começavam a surgir em jornais e TVs. Mas o assunto ainda não despertava o interesse que viria a ter mais tarde.

A Era dos Halley

“Eu pensava em lançar uma Butique Hollywood, vendendo roupas e artigos promocionais com a marca dos cigarros Hollywood. Era um projeto de diversificação e licenciamento. Estava com a teoria bem clara na cabeça, quando li numa revista que o cometa Halley voltaria em 1986 e inspiraria músicas e suvenires e que crianças seriam batizadas com o seu nome”, relata Diniz.

Bastou isso para o publicitário partir em busca da realização da ousada empreitada de capitalizar com o viajante cósmico. “Pensei: quem tiver essa marca estará rico. E fui atrás de um advogado para saber se era possível. Não só era, como estava livre para registro no Brasil. E, nos Estados Unidos, só não estava livre para isqueiros e perfumes, em dois produtos que existiam desde 1910″, revela.

Ainda em 1980, Diniz juntou o dinheiro que tinha, pediu mais emprestado e arregimentou o sócio Luiz Felipe Tavares para criar a Marcelo Diniz Estratégias de Marketing Ltda. e fazer todos os registros possíveis da marca Halley no País.

Dois anos depois, fez o mesmo nos Estados Unidos, na França e na Alemanha.

Convocando o argumentista Luiz Antonio Aguiar e o ilustrador Lielzo Azambuja, Diniz criou o esteio do projeto: a Família Halley, de quem dependia integralmente a continuidade da empreitada.

Os personagens ganharam nome, visual e conceito que, via de regra, acompanhavam a marca, formando os pilares sobre os quais se montou o projeto e que se completavam com a mensagem de harmonia pregada pela família espacial.

Viajantes cósmicos, os Halley eram os únicos sobreviventes do planeta Hydron, devastado por uma colisão com um mundo desabitado e do qual sobrara apenas a calota polar, que se transformara no cometa Halley.

Depois de encontrar o planeta Terra e se afeiçoar aos seus habitantes, a família resolveu adotar o nome com o qual os terráqueos batizaram o pedaço desgarrado de Hydron.

Assim nasceram Big Halley, Halley, Halleyxpert, Halleyfante, Halleygante, Halleyluiah, Halleyxandra, Halleyzinha, Halleyzótica e Halleygria, uma trupe cujos nomes de pronúncia fácil ganharam o apelo imediato que garantiu à franquia o sucesso almejado.

Em 1985, um ano antes do que se esperava ser a chegada triunfal do cometa, a Família Halley começou sua trajetória pela mídia, por meio de um contrato com a TV Globo que levou os personagens aos programas Balão Mágico – no qual o Halleyfante, uma espécie de paquiderme robô, virou atração fixa -, Fantástico, Globo Repórter e Minuto Halley (“foguetinhos” diários na programação) e ao musical A Era dos Halley, que contou com a participação de diversos nomes da MPB e do rock brasileiros e foi lançado em LP.

Começava ali a halleymania.

Febre consumista

Materiais escolares, tênis, óculos, chicles de bola, iogurtes, brinquedos, artigos de vestuário e diversos outros produtos, incluindo uma linha de joias finas da H.Stern, todos estampando o nome ou a imagem da Família Halley, começaram a invadir o mercado em 1985.

Ao todo, foram 53 contratos de licenciamento para mais de dois mil produtos, resultando em um faturamento imediato de cerca de dez milhões de dólares – na época, uma cifra ainda mais espantosa do que é hoje.

No mesmo ano, a Família Halley estreou nas tiras de quadrinhos, publicadas diariamente no jornal O Globo. Meses depois, em outubro, chegou aos gibis na série bimestral A Era dos Halley, que na primeira edição oferecia de brinde um bottom.

A revista trazia, em cada edição, duas histórias em quadrinhos – escritas por Luiz Antonio Aguiar, Ives do Monte Lima e Salete Brentan, com desenhos de Napoleão Figueiredo e Roberto Kussumoto -, além de passatempos relacionados ao Halley, textos sobre astronomia e tecnologia espacial e a seção Jornal do Cometa, com as últimas novidades sobre o astro da década.

Foi publicada até junho de 1986, quando o cometa Halley já rumava para outras galáxias.

E não ficou só nisso. Um longa-metragem com atores chegou a ser pré-produzido, mas não vingou.

A exposição e o sucesso da marca Halley não passaram despercebidos em outros países. No dia 8 de maio de 1986, a edição do jornal norte-americano New Scientist destacou o furor causado pelo cometa no Brasil, potencializado pela criação de Marcelo Diniz, agora celebrado como um empresário de visão telescópica – com o perdão do trocadilho necessário.

Nesse período, a Warner Licensing Corporation já havia assinado com a Marcelo Diniz Estratégias de Marketing uma carta de intenções para licenciar a marca Halley pelo mundo.

E a Marvel Entertainment, dona dos direitos sobre os super-heróis Homem-Aranha, X-Men, Hulk e outros, assinou um contrato de opção para produzir desenhos animados da Família Halley. “Mas poderia pedir, se quisesse, a extensão para longas-metragens live-action ou mesmo quadrinhos”, afirma Diniz.

Ele confessa que, se isso acontecesse, seria uma conquista pessoal. “Eu adoraria. Desde criança, lia tudo que era Disney, Bolinha e Luluzinha e, à medida que fui crescendo, os super-heróis. Mas o meu preferido era o Fantasma. Ainda gosto de quadrinhos, mas, hoje em dia, prefiro cinema”, conta.

Diniz também acredita que a Marvel teria um papel importante na longevidade da Família Halley.

“O planejamento de marketing previa que o filme, as histórias em quadrinhos e os desenhos animados dessem vida longa ao projeto, muito tempo após a passagem do cometa. Os norte-americanos condicionaram os investimentos em produção ao sucesso do evento. Como o Halley não foi visto no hemisfério norte, eles desistiram”, afirma. “As produções daquela época, sem os efeitos especiais necessários, não eram suficientes para manter vendas de produtos inspirados em um evento que frustrou o público. Se tivéssemos os desenhos animados da Marvel, talvez ainda desse para continuar.”

No final das contas, o cometa havia sido anjo e demônio para Diniz.

Fiasco no céu

O astrônomo Edmond Halley (1656 – 1742) emprestou seu nome ao cometa mais famoso deste lado da Via Láctea.

Depois de descobrir que os cometas avistados em 1531, 1607 e 1682 eram um só, ele previu que a órbita completada em torno do Sol a cada 76 anos o traria de volta em 1758. O cientista morreu antes de ver sua previsão concretizada.

A visita de 1910, em que a cauda do Halley tocou a atmosfera terrestre e apresentou um espetáculo inesquecível para quem teve o privilégio de assistir, provocou em 1986 uma grande expectativa, que se mostrou frustrada.

Naquele ano, o Brasil ainda saboreava a recente retomada da democracia institucional, depois de mais de duas décadas sob as rédeas do regime militar.

O pacote econômico batizado de Plano Cruzado fora lançado com a firme missão de criar uma moeda nacional forte e, principalmente, acabar com o monstro da inflação, que minava o poder de compra dos brasileiros.

No esporte, o povo se unia na torcida para a seleção de futebol, comandada pelo técnico Telê Santana, conquistar seu quarto título da Copa do Mundo.

E o cometa Halley, a sensação daquele momento, atingia o periélio – ponto mais próximo do Sol -, para a alegria dos que continuavam acreditando ser possível observá-lo em sua plenitude, a olho nu.

Mas foram necessários somente poucos meses para tudo desmoronar e outra realidade bater à porta.

O índice de popularidade do presidente da República despencou vertiginosamente, o plano econômico fracassou e a Seleção Brasileira foi eliminada do Mundial realizado no México.

A pá de cal veio do espaço: o cometa Halley foi embora, sem nunca ter vindo, marcando o fim de um fenômeno comercial e de marketing jamais visto no planeta – antes ou depois – na história da astronomia.

Pouca gente o viu, de fato. E somente com a ajuda de uma boa luneta – nem de longe as que eram vendidas feito água em lojas e nos camelôs – e de um mapa celeste fácil de decifrar, foi possível testemunhar a aparição do cometa, que se mostrou um reles chumaço de algodão no meio de estrelas muito mais brilhantes no céu.

Marcelo Diniz não contava com isso. Não há como saber com certeza, mas dificilmente a passagem do Halley seria tão lembrada no Brasil, décadas depois, se o publicitário não houvesse deflagrado a halleymania que marcou os anos 1980 no País.

No entanto, poderia ter sido melhor. “Não ‘fiquei de mal’ do Halley, apenas frustrado por não ter completado o projeto da minha vida. Mas acho que já superei isso”, confessa Diniz.

Atualmente trabalhando como assessor da Associação Brasileira de Agências de Publicidade e planejador da Associação Brasileira de Propaganda, Diniz tem sido sondado por alguns interessados em reviver a Família Halley. O Cartoon Network faz parte dessa lista.

Mas a volta dos personagens ainda parece uma realização distante. “Todos que analisaram os desenhos nos últimos anos disseram que eles teriam que ser refeitos, modernizados. O potencial é bom, temos dezenas de roteiros prontos, mas eu teria que investir em novos desenhos, produção e outros elementos. Não tenho mais interesse em partir para um empreendimento desses com risco próprio”, diz o criador da Família Halley.

Há poucos anos, ele presenteou os leitores do UHQ ao liberar, com exclusividade para o site, imagens nunca antes divulgadas e que agora podem ser vistas novamente, na galeria no final deste texto.

“São pranchas da primeira história dos Halley, conforme apresentamos à Warner e à Marvel, com conceito visual e estilo de desenho diferentes do publicado pela Editora Abril. Mostramos duas HQs que encantaram os norte-americanos. Jamais foram publicadas”, explica Diniz.

Marcus Ramone era halleytor dos gibis da Família Halley e até hoje guarda a coleção como uma halleymbrança do cometa que alega ter visto.